Milo Lockett: „Das Galeriemodell ist rückständig: Ein Künstler kann nicht von einer Ausstellung pro Jahr leben.“

Irupé ist der Name der jüngsten Gemäldeserie von Milo Lockett , die von der Guaraní-Legende inspiriert und in der Suche nach seinen Wurzeln verankert ist, die ihm eine neue, monochromere Palette bescherte, die mit Ton, Knochenfarbe und Herkunft verbunden ist. „Jetzt lebe ich am Wasser, in Kontakt mit der Natur, und ich erinnerte mich an die Küste und an Irupé, ein Wort, das viele Bedeutungen in sich vereint, und deshalb wollte ich es verwenden“, erzählt er im renovierten Kunstraum PATIO Arts im ersten Stock des Patio Bullrich, in einer seiner wenigen Ausstellungen. Installiert in einem Raum im Einkaufszentrum des Villa Nueva-Komplexes in Tigre kann man ihn dort bei der Arbeit an seinen Gemälden, zwei Malbüchern des Labels Catapulta und einem Objektbuch für 2026 antreffen.

-Küstenkunst sowie Kunst, die mit indigenen Gemeinschaften verbunden ist, ist heute ein internationaler Trend.

-2008 gewann ich mit einem ziemlich disruptiven, mit Ton gemalten Werk einen Preis im Rosa Galisteo Rodríguez National Painting Salon in Santa Fe. Es scheint, als würde ich mit dieser Idee, mich ständig neu zu erfinden, so schnell vorankommen, dass ich nie Zeit habe, sie zu verarbeiten.

-Was bedeutet Ihnen diese Neubewertung des Handwerks als Kunstwerk?

- Mich interessiert das, weil es mit unserer Geschichte zu tun hat. Aber schauen Sie sich an, was letztes Jahr auf der Biennale in Venedig passiert ist. Zum ersten Mal hatten wir einen brasilianischen Kurator mit lateinamerikanischer Perspektive. Es war außergewöhnlich, zum ersten Mal 20 argentinische Künstler dabei zu haben. Und mich interessiert auch die Perspektive von Ticio Escobar , einem ernsthaften Verfechter des Guaraní-Kunsthandwerks und der Tonkunst. Aber wir dürfen nicht vergessen, dass wir nicht nur auf unsere Ursprünge beschränkt sind; wir müssen sehen, wie wir sie an die heutige Welt anpassen und wie wir mit ihnen in die Welt hinausreichen.

-Wo stehen Sie in Ihrer Karriere?

Die gesamte Zeit nach der Pandemie hat mich viel über meine Malerei nachdenken lassen, darüber, aus einer persönlicheren Perspektive zu arbeiten und nicht so sehr an andere zu denken. Obwohl ich ständig mit vielen Orten in unwirtlichen Gebieten zusammenarbeite, wie Guaraní oder Bergschulen, weil ich es liebe, Bildung an die entlegensten Orte zu bringen. Aber es geht nicht darum, in die Gemeinschaft einzudringen, sondern vielmehr darum, einen Vorschlag an einen Ort zu bringen, an dem es andere Bedürfnisse gibt und vielleicht weder Platz noch Budget für Kultur.

Dieser Aspekt Ihrer Arbeit – die Gemeinschaftsarbeit – ist ebenfalls in Mode gekommen, was bei einigen Künstlern zu Konflikten und Kritik geführt hat. Wie gehen Sie dabei vor?

Für mich ist es immer eine Lernerfahrung. Jeder Ort und jede Gemeinschaft ist eine neue Welt, daher muss man sehr vorsichtig und respektvoll sein. Ich unterstütze immer etwas. Es sind meist Projekte im Bereich Kunsterziehung, damit die Kinder etwas erleben können. Wenn wir ein Wandbild malen, darf ich manchmal zeichnen, manchmal nicht, aber ich verändere nie, was sie machen. Es ist ein Austausch; man muss mit der Kunst spielen können, nicht sie aufzwingen.

Es wird viel über die Krise des Kunstmarktes in Argentinien und über Galerien gesprochen. Sie haben Ihre Räumlichkeiten hier in Tigre. Wie sieht Ihr Arbeitsmodell aus?

Mein Arbeitsmodell ist seit über einem Jahrzehnt dasselbe. Ich sagte, jeder Künstler müsse seinen eigenen Markt schaffen. In Argentinien gibt es keinen Kunstmarkt. In den letzten zehn Jahren haben viele Galerien geschlossen. Zwar entstehen neue, die für viel Aufsehen sorgen, weil sie jung und erfolgreich sind, aber das Modell ist alt und rückständig; Kommunikation gehört einer anderen Epoche der Kunstgeschichte an. Heute läuft alles über soziale Medien und E-Commerce. Vor der Pandemie, die ein neues Geschäftsmodell etablierte, war das undenkbar. Wir müssen uns anpassen, weshalb es keine Ausstellungen mehr gibt. Es macht keinen Sinn, eine Ausstellung zu veranstalten. Man lädt ein Video mit diesem Werk hoch, und 20.000 Menschen sehen es. 100 wollen es kaufen. Diese Branche hat sich verändert; wir können uns nicht vorstellen, dass sie so bleiben kann wie 1970.

-Sie nehmen jedoch an der Bada-Messe teil.

Ja, denn es fördert argentinische Kunst und nutzt ein sehr eklektisches Auswahlverfahren, um eine vielfältige Palette zu präsentieren. In Argentinien gibt es eine enorme Vielfalt an Künstlern, die nebeneinander existieren. Marketing ist etwas, woran wir individuell arbeiten müssen. Denn ich glaube nicht, dass es einen Kunstmarkt gibt. Ein Künstler kann nicht von einer Ausstellung pro Jahr leben. Er kann auch nicht von einer Galerie leben, weil diese finanziell nicht über die Mittel verfügt, um sie zu unterhalten, und auch nicht von Sammlern, denn es gibt 50, 60, 70 davon. Ich finde es gut, dass wir uns an diese Veränderungen anpassen und keine Angst haben.

-Und hatten Sie jemals Angst, dabei einen Fehler zu machen?

Ich bin ein dynamischer Mensch, konfliktfrei und ans Verlieren gewöhnt. Als Unternehmer spreche ich viel übers Scheitern. Mit 20 oder 25 muss man oft scheitern, denn das stärkt, macht Mut und hilft, die Angst vor materiellen Dingen zu verlieren. Man muss immer wieder auf und ab gehen, denn das macht das Leben aus. Künstlern rate ich immer: Geht Risiken ein, spielt, tut etwas, scheitert, habt keine Angst. Wenn ihr eure Arbeit gefunden habt und euch wohlfühlt, dann verlasst eure Komfortzone. Mit anderen Worten: Kämpft. Darum geht es im Leben. Es hat keinen Sinn, Auszeichnungen oder Erfolge anzuhäufen. Auch der interessanteste Mensch trägt die Narben des Lebens. Das macht ihn reicher.